O Caminho de Vidas que se Espelham - Sobre "Setembro"

15 Julho 2016
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O texto seguinte foi produzido por um dos participantes do workshop Crítica de Cinema realizado durante o Curtas Vila do Conde - Festival Internacional de Cinema. Este workshop é formado por um conjunto de masterclasses e debates com convidados internacionais e pela produção de textos críticos sobre os filmes exibidos durante o festival, que serão publicados, periodicamente, no site do PÚBLICO e no blogue do Curtas Vila do Conde.


Por Vítor Romba

Setembro, o mais recente filme de Leonor Noivo, reaviva memórias de alguns dos seus trabalhos anteriores, nomeadamente Salitre, 2005, Outras cartas ou o Amor inventado, 2012, A Cidade e o Sol, 2012, algumas das quais já exibidas no Curtas Vila do Conde, que nos realçam a sua tendência para as questões existenciais, dando-lhe forma através de temas como o amor, as relações humanas, as suas emoções e as suas próprias direções, promovendo a reflexão da condição do eu.

Num regresso a casa, após longo tempo no estrangeiro, uma mulher e o seu filho projetam um recomeço de suas vidas, que se inicia numa viagem de comboio. De volta às suas origens, numa casa atolada de caixas e de factos conturbados, mãe e filho espelham as suas posturas, os seus estados emocionais, os seus afetos, e tentam reatar assuntos que ficaram pendentes: ela numa indumentária de força (bem presente através do vermelho vivo de sua roupa), assume com poder, mediante suposta antiga paixão, o não pretender voltar a acender o passado; ele, depois de várias tentativas de contacto com o pai, procura-o e descobre a rejeição, rompendo desenfreadamente pelo seio dos bosques.


Num universo de mundos em que o egoísmo impera, a mãe fomenta a sua garra pela existência de seu filho, a sua inspiração. Com registos musicais contemporâneos, os ritmos e timbres do filme vão-se encadeando e dão realce a toda a estrutura narrativa. Numa dicotomia controversa, que exibe a desorientação e a procura, busca-se uma vida nova com sentido. Uma obra que instiga ao conhecimento da verdade que atravessa a realidade humana, no seu quotidiano, numa busca do ser.


Editado por Paulo Cunha e Daniel Ribas.

"Diamond Island" e as dores de crescimento

13 Julho 2016
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O texto seguinte foi produzido por um dos participantes do workshop Crítica de Cinema realizado durante o Curtas Vila do Conde - Festival Internacional de Cinema. Este workshop é formado por um conjunto de masterclasses e debates com convidados internacionais e pela produção de textos críticos sobre os filmes exibidos durante o festival, que serão publicados, periodicamente, no site do PÚBLICO e no blogue do Curtas Vila do Conde.


Por Lídia Queirós


Ao contrário da crença comum, as dores de crescimento (que ocorrem durante a infância e a juventude) não estão diretamente relacionadas com o desenvolvimento ósseo e acredita-se que surgem em momentos-chave e emocionalmente tensos do desenvolvimento do indivíduo, tais como um conflito familiar ou a perturbação com o primeiro amor. Estes dois estão presentes em Diamond Island (2016) de Davy Chou, que passou em estreia nacional na Sessão de Abertura do Curtas Vila do Conde 2016 e que desenvolve, em primeiro plano, a difícil transição de Bora (um jovem cambojano que abandona a sua aldeia para trabalhar na construção civil) para a idade adulta. 

Noutros planos, no entanto, a obra de Chou é também sobre a expansão económica, territorial e urbanística do seu país-natal, em particular de um lugar estranho chamado Diamond Island, e qual o preço a pagar para que este novo Camboja, cada vez mais ocidentalizado e sofisticado, continue iluminado pelos seus infinitos neons.


O universo temático e estilístico desta sua primeira longa-metragem havia sido já explorado por Chou na curta-metragem Cambodja 2099, vencedora do Grande Prémio no 22º Curtas Vila do Conde, em 2014: também filmada nos mesmos espaços (o teatro Koh Pich está agora rodeado de novas construções), podemos já vislumbrar os ritos de passagem e acasalamento dos adolescentes cambojanos, onde, e tal como uma das personagens explica em Diamond Island, os rapazes precisarão de uma boa mota, um bom telemóvel e muita perseverança para cumprir o seu objetivo primordial, que passa naturalmente por convencer as raparigas a terem relações sexuais.


A primeira longa de Chou pode ser vista como uma versão revista e expandida de Camboja 2099, e apesar do formato ter permitido explorar aprofundadamente personagens e temáticas, a sua dilatação acabou por destapar fragilidades, e nalguns momentos poderíamos apontar uma menor qualidade nos diálogos e sua representação (os atores são todos não profissionais) ou em questões técnicas de fotografia e edição. Contudo, estes pormenores são facilmente esquecidos pois o conjunto mostra ser coeso: os atores convencem com as suas vozes sussurrantes, a narrativa coming of age equilibra habilmente os momentos de tensão e de comic relief e a fotografia kitsch e feérica cria uma harmonização destes elementos, que nos remetem frequentemente para filmes de Apichatpong Weerasethakul.


Diamond Island
parece precipitar-se constantemente para o abismo do estereótipo e do contraste: por um lado, surgem cenas diurnas, ligadas à pobreza, ao trabalho infantil e precário, a Bora e ao seu passado; por outro, aparecem as cenas noturnas, lideradas pelo fascinante irmão mais velho (Solei) que o puxa para um mundo boémio, um possível futuro onde há dinheiro e mulheres bonitas. O filme foge a esse abismo pois acaba por não ser demasiado explicativo ou óbvio: intuímos que Solei está metido em algo ilegal (talvez a prostituição) e Bora nunca o confronta. Depois de cinco anos sem se verem, o protagonista pergunta o que aconteceu ao olho do irmão: “É uma longa história”. Esperamos, mas ela nunca chega a ser contada.


Editado por Paulo Cunha e Daniel Ribas

Filmes-concerto do Curtas Vila do Conde arrancam hoje com Tindersticks

13 Julho 2016
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Os filmes-concerto do Curtas Vila do Conde arrancam esta quarta-feira com dose dupla de Tindersticks. Até domingo, passam também pelo festival Jay-Jay Johanson, The Legendary Tigerman e The Greg Foat Group. Para os mais cinéfilos, destaque para as três sessões dedicadas ao fenómeno do Ensaio Audiovisual e a carta branca que a dupla João Pedro Rodrigues e João Rui Guerra da Mata apresenta no festival.

O Curtas Vila do Conde – Festival Internacional de Cinema recebe, esta quarta-feira, 13 de julho, os ingleses Tindersticks que vão apresentar, em estreia em Portugal, o espetáculo audiovisual “The Waiting Room”. Neste filme-concerto, a banda vai interpretar os temas do último álbum, ilustrados em simultâneo pelas curtas-metragens realizadas por cineastas como Christoph Girardet – presente no festival – Joe King, Rosie Pedlow, Pierre Vinour, Claire Denis, Gregorio Graziosi, Richard Dumas, Gabriel Sanna, entre outros. Alguns dos vídeos são assinados pelo próprio Stuart A. Staples, o vocalista. No final do filme-concerto, os Tindersticks vão relembrar alguns dos temas que marcaram os 25 anos da banda. Os dois espetáculos – para além do concerto das 22:30, foi marcado um extra às 20:00 – são dos momentos mais aguardados desta edição do festival.


Até sábado, a secção Stereo do Curtas Vila do Conde, onde a música e o cinema se encontram de forma criativa, apresenta também, com o apoio da Fnac, espetáculos de Jay-Jay Johanson, The Legendary Tigerman e The Greg Foat Group, todos à 00:00 a encerrar a programação diária do festival. Os bilhetes estão à venda na Bilheteira Online e no Teatro Municipal de Vila do Conde.


Pela primeira vez em Portugal, The Greg Foat Group trazem a Vila do Conde, na quinta-feira, 14 de julho, “Visual Music”, uma banda sonora original que o festival propôs a Greg Foat para clássicos do cinema experimental dos anos 20 realizados por Hans Richter, Marcel Duchamp, Ralph Steiner e Walter Ruttmann. Com vários trabalhos editados pela Jazzman Records, a sonoridade incomparável do grupo caracteriza-se pela atmosfera de experimentação, recorrendo a instrumentos como o cravo, o sintetizador, sinos tubulares e um coro que acompanha os registos, numa mistura de estilos e correntes musicais que primam pelo ambiente cinematográfico e psicadélico. O resultado tanto pode agradar a fãs de Pink Floyd como a colecionadores da mais obscura “library music” dos anos 1970.


Com estreia absoluta no festival, na sexta-feira, 15 de julho, “How To Become Nothing” junta o músico The Legendary Tigerman, a fotógrafa Rita Lino e o realizador Pedro Maia numa ‘road trip’ pelo deserto da Califórnia. O resultado apresentado no Curtas de 2016 é um ‘road-movie’ em formato filme-concerto, com banda sonora ao vivo de The Legendary Tigerman e manipulação de imagens em tempo real de Pedro Maia. Um falso diário em super8 e fotografia, com textos de Paulo Furtado, fruto de três visões sobre a viagem de um homem que, mais do que desaparecer, procura chegar a nada, procura ser nada.


A encerrar os filmes-concerto do Curtas Vila do Conde, no sábado, 16 de julho, Jay-Jay Johanson traz no repertório os temas do seu mais recente album “Opium” interpretados, ao vivo, num espetáculo audiovisual surpreendente. Assumidamente mais pop e rock, o 10º álbum de originais de Jay-Jay Johanson mantém toda a essência da sua música: uma facilidade inata para as melodias e uma voz e ritmos que elevam as suas canções do subtil ao sublime.

 

Até domingo, último dia do Curtas, destaque para a carta branca que João Pedro Rodrigues e João Rui Guerra da Mata apresentam no festival. De Keaton a Beckett, passando por Warhol, Tati ou Kenneth Anger, estas sessões são uma lição de um cinema subversivo. O festival dedica ainda três sessões aos Ensaios Audiovisuais. Formato popularizado pelas novas ferramentas digitais, o ensaio audiovisual olha de novo para os filmes, analisando as suas estruturas e as suas semelhanças. É uma forma nova de cinefilia, por vezes mais livre, outras vezes mais analítica e académica. No Curtas Vila do Conde, estas sessões mostram a arqueologia do género, com filmes históricos de Bruce Conner, Dara Birnbaum ou Jean-Luc Godard, entre outros. Por outro lado, serão também exibidos filmes contemporâneos de alguns dos melhores ensaístas, como Mark Rappaport (com uma sessão dedicada à sua obra), ::kogonada, Kevin B. Lee, Tony Zhou, Thomas Elsaesser ou Adrian Martin.

Ensinar a ausência - Sobre James White, de Josh Mond

13 Julho 2016
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O texto seguinte foi produzido por um dos participantes do workshop Crítica de Cinema realizado durante o Curtas Vila do Conde - Festival Internacional de Cinema. Este workshop é formado por um conjunto de masterclasses e debates com convidados internacionais e pela produção de textos críticos sobre os filmes exibidos durante o festival, que serão publicados, periodicamente, no site do PÚBLICO e no blogue do Curtas Vila do Conde.


Por Maria Inês Castro e Silva 



O cenário de uma Nova Iorque contemporânea é o lugar onde a personagem principal se move, numa vida boémia e sem pausas nesta que é a primeira longa-metragem de Josh Mond – James White (2015). Para além deste filme, Mond é também um dos produtores de Martha Marcy May Marlene (2011) e Simon Killer (2012). Integrado na produtora Borderline films, James White coloca em cena os actores Scott Mescudi (Nick), Cynthia Nixon (Gail White) e Christopher Abbott (James) numa tensa trama que se centra sobretudo na figura do protagonista. O ritmo acelerado fica desde logo vincado no início do filme com a câmara que convoca compulsivamente o espectador a participar da relação de White com a sua mãe.

O protagonista do filme é uma personagem complexa e em mudança: lida em primeira instância com a morte do pai e acompanhará o cancro da mãe, que é uma forma de morte ainda em vida. Se inicialmente equacionaríamos um filme sobre personagens perdidas na cidade, flâneurs dos tempos modernos, depressa encontramos um cativo da casa, acompanhando a doença da mãe de perto. Num filme que assenta, em grande medida, numa relação nem sempre pacífica entre mãe e filho, é possível encontrar a ausência anunciada. É, por exemplo, num longo momento do filme que James imagina cenas de uma vida feliz que nunca existiu e nunca existirá, suspendendo o tempo. Neste plano, que nos parece surgir isolado no filme, James ampara a mãe no exíguo espaço de uma casa-de-banho, criando imagens do passado e do futuro, construindo o imaginário de uma família feliz que nunca existiu e que nunca existirá como se procurasse de alguma forma adiar a morte da mãe e parar o tempo. Este é talvez uma das escassas sequências em que o espectador tem tempo para abrandar o ritmo acelerado que lhe é anunciado no início do filme.


Se no final pensávamos estar a caminho de uma câmara menos centrada em James, na presença de uma personagem completamente redimida, alguém que abandona a rua para ficar em casa com a mãe, James leva-nos de novo para o início: a mãe morre e é preciso sair de casa, ir para a rua. Voltamos à ausência inicial, ao sair para a rua como ficar em casa.

 

Texto editado por Paulo Cunha e Daniel Ribas

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